Publié le : 24 février 20229 mins de lecture
La façon dont les préraphaélites utilisaient le langage floral de leur temps pour communiquer. Ou tout simplement pour décorer vos oeuvres. Au lieu de parler des auteurs, parlez de leurs œuvres ou des détails qui y sont vus. Dans ce cas, je dois dire que je me suis basé, et pas peu, sur un article sur le site à thème artistique « Hyperallergic » – pour ceux qui veulent y entrer, je mets un lien ici -, écrit par Allison Meier, qui parlait, en même temps, du langage secret des fleurs de l’époque victorienne – en fait, pas si secret, s’il est parvenu aujourd’hui sans problème, et si en son temps il était relativement bien- connu – et comment les artistes préraphaélites l’ont utilisé dans leurs œuvres. Parfois, clairement, dans le cadre de l’histoire qu’ils voulaient raconter. Dans d’autres, comme un détail secondaire, mais avec sa propre signification. Et parfois, peut-être, il est difficile de découvrir ce que peint telle ou telle fleur parce que, simplement, l’auteur a voulu la peindre, sans plus tarder. Ainsi, ce qui semble n’être qu’un simple ornement floral peut aussi être un code qu’il faut lire, comme beaucoup de gens savaient le faire, lorsque les artistes présentaient leurs œuvres en public. Voici donc quelques fleurs, avec un exemple de tableau dans lequel chacune d’elles est représentée, et le sens qu’elles ont, et le sens qu’elles pourraient avoir -pas nécessairement- dans l’œuvre dont elles font partie :
« Song of Love », d’Edward Burne-Jones, où les fleurs sont si nombreuses qu’elles pourraient très bien être, au fond, une représentation de la beauté, plutôt que de vouloir transmettre un seul code en particulier.L’aquarelle « Lady Lilith » (1867), de Dante Gabriel Rossetti.
Dans le coin inférieur du tableau, dans un verre, on peut voir un coquelicot, qui peut signifier l’imagination et le sommeil éternel – la mort ? – ainsi que le plaisir. Rossetti a également écrit un sonnet, car il était aussi un poète, qui a accompagné le tableau lors de sa présentation publique, où il était dit que la rose – l’amour, au sens le plus large – et le coquelicot étaient les fleurs préférées de la jeune femme représentée. D’autres significations pourraient être : repos – qui ne devrait pas être synonyme de sommeil – et de tranquillité, même si Rossetti pensait sûrement plus au plaisir et à l’amour qu’au calme.
Edwin Long, « Les filles de notre empire en Angleterre. Printemps » (1887), huile sur toile (via Yale Center for British Art)
« Les filles de notre empire : l’Angleterre. La fleur de printemps / primevère » (1887), par Edwin Long. Il ne serait pas vraiment un préraphaélite, mais il serait un de ses contemporains, car il était un universitaire à la fois biblique et orientaliste, mais ici il utilise la primevère -primrose, en anglais- pour transmettre quelque chose de plus qu’un simple ornement floral . La signification varie selon la couleur, mais lorsqu’elle est jaune, comme dans la peinture de Long, elle symbolise la jeunesse, et le jeune amour en particulier. Par conséquent, l’auteur l’utilise, symbolisant à la fois la jeunesse de la fille et celle qui, suppose-t-on, avait l’Angleterre qu’elle personnifie, qui à cette époque était devenue une partie de la Grande-Bretagne – mais avec plus de poids que les autres. des nations britanniques – dans la grande superpuissance mondiale de l’époque.
« Veronica Veronese » (1872), également de Dante Gabriel Rossetti. C’est une huile sur toile.
Les jonquilles – en bas à droite, jaunes – pourraient représenter un amour non partagé – un sujet qui attirait particulièrement les peintres du XIXe siècle, et pas seulement ceux reconnus comme romantiques. Également pour la chevalerie – le protagoniste serait une jeune femme de la Renaissance ou de la fin du Moyen Âge, et la peinture a des influences du Vénitien de cette époque, ou pas très tard ; le fait qu’il y avait un gentleman dans l’esprit de la jeune fille est quelque chose de facile à supposer. Une autre fleur, la camomille, trouvée dans la cage de l’oiseau – dans la partie supérieure, à gauche – viendrait à signifier, donnant une explication complète à la situation personnelle du protagoniste, la capacité de se lever et de résister face à l’adversité.
Fleur de pommier :
Rossetti encore – certainement l’un des peintres qui connaissaient et connaissaient le mieux et utilisaient le langage floral de l’époque – : « Une vision de Fiammetta », de 1878. La fleur de pommier, ou pommier, pourrait signifier la bonne fortune, ou la promesse – ou le souhait – que l’avenir apportera de meilleures choses que le présent. Rossetti utilise le protagoniste d’un poème de la Renaissance italienne Giovanni Boccaccio, qu’il connaissait bien, entouré de ces fleurs particulières. L’écrivain a donné ce nom, « lama ou petit lama », en italien, à une muse dont le vrai nom -car on sait son existence- n’est pas connu. Certainement un amour impossible. D’où la fleur de pommier : Boccace espérait sûrement qu’un jour, ce qui n’arrivait pas, la Fiammetta de ses rêves finirait par être son amour réciproque.
John Everett Millais, « Ophélie » (1851), huile sur toile (via Tate Britain)
L’Ophélie de John Everett Millais (1852) fut peut-être la première grande œuvre du préraphaélite, et l’une des plus connues et des plus représentatives – aujourd’hui encore. La mort du protagoniste, accueillie, plutôt qu’avalée, par nature. En peignant Ophélie du « Hamlet » de Shakespeare, il voulait que le cadre autour du malheureux protagoniste soit une mer de fleurs, comme s’il ornait un tombeau formé par la rivière, et la nature entière, et où les marguerites auraient une place principale poids, que le même symbolisait l’innocence et la pureté, comme une sorte d’adieu – celui qu’elle au monde, ou celui que, inconsciemment, le spectateur voudrait lui donner, alors qu’elle était sur le point de l’abandonner, comme si nous ne devaient plus la voir.
Fleur d’aubépine :
« La Séduction de Merlin » (1874), d’Edward Burne-Jones, où le magicien semble être englouti par les branches fleuries sans fin de l’aubépine, apparemment à l’abri de sa magie. L’aubépine, ou plutôt la fleur d’aubépine, symbolisait l’espoir, mais elle était aussi considérée comme une amulette contre la magie, blanche ou noire. Burne-Jones l’utilise, justement, pour représenter cela. Comme l’arme que la Dame du lac utilise pour se l’approprier, sachant que sa magie est contrée par l’abondance de fleurs d’aubépine.
Également par Rossetti, le sanguin « Jane Morris; une étude pour ‘Mariana' ».
A cette époque, comme ici, la rose est un symbole d’amour. De toutes sortes d’amour, toujours selon la couleur : du blanc de la pureté -ou de l’innocence-, au bordeaux de l’adoration inconsciente, ce qui serait un amour impossible, contre-productif. Dans le vase de l’atelier de Rossetti, comme il ne s’agit pas d’un tableau à exposer, mais d’un premier essai, en sanguine, ils sont roses. Le rouge serait, principalement, l’amour passionné, voire sexuel. Le rose était utilisé pour remercier une faveur importante : celle que Jane Morris a faite pour Rossetti en modelant pour lui, très probablement.
William Blake Richmond, « Vénus et Anchise » (1889-90), huile sur toile (via Walker Art Gallery)
« Vénus et Anchise » (1890), par William Blake Richmond. C’était un peintre et décorateur académique, très influencé par l’art classique et la Renaissance, qu’il a pu admirer et rencontrer en personne lors de son voyage de jeunesse en Italie. La fleur de safran symbolise la joie en général, et celle des jeunes – pour ce qu’ils vivent à cette époque de la vie, et pour ce qu’ils ont encore à vivre – en particulier. Pour cette raison, William Blake Richmond inclut cette fleur comme protagoniste végétal parmi les fleurs printanières qui entourent Vénus, l’Aphrodite grecque, et Anchise, père de l’également troyen Enée, « père » du peuple romain.
Dante Gabriel Rossetti, « Vénus Verticordia » (1868), huile sur toile (via Wikimedia)
Après la déesse de l’amour, du mariage, mais aussi de la jouissance sexuelle, Vénus-Aphrodite, on aperçoit un grand nombre de roses -fleur d’amour et de désir-, tandis qu’au premier plan, dans la partie inférieure, on peut voir le chèvrefeuille, représentant la douceur et le lien d’amour entre deux personnes. L’une et l’autre fleur sont, ou pourraient être, parfaitement complémentaires.
Dante G. Rosseti : « Ghirlandata », de 1873.
L’aconit vénéneux, avec ses fleurs bleues, représente une alerte à un danger qui peut apparaître à tout moment. Ici, il se tient aux pieds de la harpe de la jeune femme, surmontée de chèvrefeuille, séduisant par sa douceur, et de roses, qui symbolisent l’amour au sens large. Rossetti, dans sa « Ghirlandata » devrait donc vouloir représenter un mélange de sentiments que l’on peut retrouver, en même temps, tout au long de la vie. Tout, dans un seul cadre.
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