Tout ce que vous devez savoir sur la photographie de portrait en tant que débutant

Dans cette troisième partie, on va maintenant parler de la façon dont vous pouvez diriger le regard du spectateur, de ce à quoi vous devez faire attention en termes de technique et de ce qui est important dans les portraits en pied.

A. La vue de la caméra

L’effet d’une photo peut être considérablement déterminé par la lumière. Mais ce n’est pas seulement la lumière qui influence l’effet de la photo, mais aussi l’appareil photo, l’angle de vue et la longueur focale utilisée. Seuls les deux ensemble, le travail de la caméra et l’éclairage permettent d’obtenir l’effet désiré au final.

– Orienter le regard

Ce n’est pas du regard du modèle ou de votre regard à travers l’appareil photo, mais du regard du spectateur lorsqu’il voit la photo terminée. Si vous voulez que le spectateur s’attarde sur la photo, vous devez diriger son regard à travers le design de la photo. En principe, cela peut se faire de manières très différentes. Un moyen simple et courant consiste à jouer astucieusement avec la mise au point. Vous mettez l’accent sur le point sur lequel vous voulez diriger le regard en premier. Dans un portrait, il s’agit généralement des yeux et dans certains cas de la bouche. Si vous travaillez avec une grande profondeur de champ, vous devez essayer d’utiliser les expressions du visage, l’arrière-plan et la lumière pour diriger l’œil et susciter la curiosité. En général, les yeux sont de la plus grande importance. Dans la mesure du possible, les pupilles doivent être claires et nettes et les yeux doivent présenter des reflets, ce qui confère au regard une vivacité particulière. Pour les hautes lumières, le flash interne est toujours suffisant, même s’il ne peut pas contribuer à l’exposition réelle. Travailler avec une faible profondeur de champ est efficace et facile à réaliser. Plus la longueur focale est courte, plus l’ouverture doit être grande pour obtenir une faible profondeur de champ. A 200 mm et plus f/5.6 sont déjà suffisants, dans la gamme de 135 mm vous obtenez de bons résultats déjà avec f/2.8. Si vous voulez utiliser le 30 mm, en revanche, vous devez descendre en dessous de f/2. Outre l’ouverture du diaphragme, la distance entre l’arrière-plan et le sujet joue également un rôle dans le degré de flou. Si le modèle est appuyé directement contre le mur, vous ne pourrez pas flouter le mur. Si le mur vous gêne, vous devez placer le modèle à quelques mètres devant le mur, à condition qu’il y ait suffisamment d’espace à l’arrière.

B. Conseil : la netteté des yeux

Le degré de profondeur de champ que vous utilisez est une question de préférence personnelle. Si le modèle regarde droit dans l’appareil photo, les deux yeux sont nets, mais le nez ou les oreilles disparaissent dans le flou. Si vous photographiez le modèle en demi-profil, vous devez alors décider. Il est nécessaire d’être absolument précis afin que la mise au point ne glisse pas, ce qui rendrait l’image entière floue. En cas de doute, utilisez le bouton de réduction de votre appareil photo : s’il est disponible pour avoir une idée approximative de la mise au point et de la profondeur de champ. Si vous avez la possibilité de le faire, vous devriez vérifier vos résultats directement sur le moniteur. Depuis le trépied, vous pouvez même connecter votre caméra directement à un ordinateur portable et vérifier rapidement les images sur le grand écran. Bien sûr, cela dépend beaucoup des conditions locales. Démarrer son ordinateur portable sur la plage n’est pas toujours la meilleure idée, mais en studio, ça l’est.

1. Perspective

Avec la longueur focale, vous contrôlez également la perspective. Les courtes distances focales font apparaître l’arrière-plan comme visuellement plus grand et plus dominant, tandis que les longues distances focales réduisent le contenu de l’image à l’essentiel. Toutefois, la proximité avec le sujet permet également d’établir un contact et de faciliter le regard du modèle vers l’appareil photo. Et toutes les pièces n’offrent pas suffisamment d’espace pour travailler avec une longueur focale de 200 mm. Si vous souhaitez vous rapprocher du sujet, les objectifs rapides à focale fixe de 30, 50 ou 85 mm sont de très bonnes solutions à un prix acceptable. Même sujet, détails comparables, conditions d’éclairage identiques, mais distance focale différente : la perspective change. Les visages apparaissent un peu plus étroits avec une distance focale plus longue, moins d’arrière-plan est capturé dans l’image et malgré une ouverture presque identique, l’arrière-plan apparaît un peu plus net avec la distance focale plus courte. Dans cette comparaison, vous pouvez voir les différences typiques qui découlent de l’utilisation de différentes longueurs focales.

2. Point de vue

La plupart des portraits sont destinés à donner l’impression au spectateur que le modèle le regarde directement. Cela peut nécessiter des points de vue différents de la part du photographe. Essayez de prendre les photos à hauteur des yeux. La caméra est à la même hauteur que les yeux du modèle. Par exemple, si vous voulez montrer la fierté ou la supériorité de la personne que vous représentez, cela nécessite que la caméra regarde vers le haut. Vous prenez la photo depuis le bas. Cela nécessite une certaine distance par rapport au modèle pour éviter de tirer par le bas contre le menton ou dans le nez. Avec un point de vue qui vous permet de photographier la personne depuis le haut, vous pouvez montrer la soumission, mais aussi la vulnérabilité. Montez sur une échelle si nécessaire. Avec la perspective de prise de vue, la forme du corps du modèle sur la photo change également. Un cliché frontal d’un modèle assis le fait paraître plus volumineux. De plus, ce plan semble statique et aussi rapidement ennuyeux, car cette perspective est souvent choisie. Le remède consiste à tourner le corps sur le côté, la tête faisant à nouveau face à l’appareil photo. De légers changements dans la position de la tête peuvent donner à l’image un message complètement différent. Un menton proéminent et un torse légèrement penché vers l’avant donnent à l’image une note amicale ou ouverte, mais, associés à une lumière crue, ils peuvent aussi représenter l’agressivité. Si, au contraire, le modèle penche la tête et le haut du corps vers l’arrière, la distance ou la vulnérabilité peuvent être symbolisées.

3. Posture

Si les bras et les mains doivent être inclus dans la photo, vous devez faire très attention à la posture afin que la photo ne paraisse pas étriquée. Il est important que la ligne des bras ne conduise pas le regard du spectateur hors de l’image et ne détourne pas le regard du visage de la personne en le focalisant. Si des mains sont présentes sur la photo, vous ne devez pas les recadrer. Les mains peuvent également soutenir la pose en passant la main du modèle dans ses cheveux ou en se soutenant. Lorsque vous soutenez la tête, assurez-vous que la personne ne se soutient pas vraiment, car cela modifie la peau et les expressions du visage et est généralement peu attrayant. Dans l’idéal, le soutien n’est donc qu’implicite. Si les bras et les mains ne sont pas inclus, ils doivent reposer librement contre le corps.

4. Paysage

Les photos de portraits en format paysage donnent au photographe et au spectateur de l’espace, au sens propre du terme. Ici, l’espace libre peut être utilisé pour diriger le regard du spectateur vers le sujet ou pour soutenir le message de l’image, par exemple, l’égarement. Veillez à ce que l’espace libre ne présente pas un arrière-plan instable et ne détourne donc pas l’attention du sujet principal. Il en va autrement lorsque l’environnement doit être inclus dans la photo, comme contrepoint au sujet ou pour créer une certaine scène. De tels portraits scéniques sont également possibles. La direction du regard du spectateur va ici de gauche à droite : ce qui s’applique à la partie de l’humanité qui lit de gauche à droite. Ainsi, le regard du spectateur reste collé sur le motif principal disposé à gauche. L’information dans la moitié droite de l’image n’est alors perçue que de manière fugace afin de revenir rapidement au motif principal.

C. Portraits du corps entier

Vous aurez remarqué que dans les photos d’exemple, j’ai jusqu’à présent toujours montré des photos où l’on voit plus que le visage, bien que le sujet ici soit le portrait. Cela s’explique par le fait que le sujet des portraits n’est pas strictement défini. Fondamentalement, un portrait est en fait une photo dans laquelle le visage est au premier plan. Néanmoins, il existe aussi le terme de portrait en pied. Qu’est-ce qui distingue un portrait en pied d’une photo de mode ? De point de vue, il existe un critère de différenciation très simple : si la personne se trouve au premier plan de la prise de vue, alors il s’agit d’un portrait en pied. Si, en revanche, les vêtements sont au premier plan et que la personne qui les porte est arbitrairement interchangeable, alors il s’agit d’une photo de mode. En photographie de portrait classique, il faut parfois s’approcher très près du modèle, à moins d’utiliser de très longues focales. Cela signifie généralement que le modèle ressent votre présence et peut perdre une partie de son impartialité. Le portrait en pied vous donne l’occasion d’observer et de capturer une personne avec l’appareil photo à une certaine distance. Lorsque vous commencez à prendre des portraits en pied, vous devez commencer par le sujet occasionnel. Observez votre modèle avec l’appareil photo et essayez de la saisir sur le vif. Le modèle doit savoir qu’il est photographié, mais ne doit pas poser spécifiquement pour l’appareil photo. La pose posée nécessite une certaine expérience du modèle en termes de posture, d’expressions faciales et de gestes pour ne pas paraître posée et artificielle. Vous pouvez réaliser un portrait du corps entier en extérieur comme en studio, avec de la lumière disponible ou artificielle. Bien sûr, il n’y a pas de limites à votre imagination. On vous montre délibérément une certaine gamme de photos. Au début, certaines photos peuvent vous donner l’impression : on ne sera jamais capable de faire ça. Mais tu ne devrais pas t’inquiéter pour ça. On a commencé de la même manière, en prenant des photos de famille, en persuadant des amis et des connaissances de poser, et les enfants faisaient parfois des crises rien qu’en voyant un appareil photo. Après de nombreux essais infructueux, les photos étaient de mieux en mieux et les modèles étaient de plus en plus satisfaits. Avec la satisfaction et les premières références, le cercle est devenu de plus en plus grand, qui voulait être photographié. En attendant, on a plus de modèles que de temps à photographier. 

Modèle et emplacement

Au début, vous devriez chercher un modèle qui vous est familier. Il peut s’agir de votre partenaire, d’un parent proche ou d’un bon ami, quelqu’un dont vous savez qu’il peut se déplacer librement devant la caméra. Les endroits appropriés sont les plages, les bords de lac, les parcs, mais aussi le centre ville dans les endroits moins fréquentés. Le même modèle, des lieux différents, une lumière différente. Comme vous pouvez le constater, il n’est pas nécessaire de changer le modèle en permanence. Pour obtenir une gamme dans les motifs. Il suffit de modifier les autres paramètres comme l’heure, les vêtements, la lumière et le lieu. Vous constaterez que même avec un seul modèle, une variété de photos très différentes est possible.

D. Conseil : traiter avec les modèles

C’est un début difficile, mais un modèle a finalement besoin d’une approche précise. Surtout lorsque l’on commence à travailler avec des modèles étrangers, il est souvent difficile de trouver la bonne approche. Mais cette approche est importante. Elle ne doit pas être forcée, mais concrète et réalisable. Et si vous êtes satisfait des poses, dites-le au modèle. Rien n’est plus frustrant pour un modèle qu’un photographe silencieux. Dites quand quelque chose vous plaît, laissez le modèle regarder l’étalage pendant ce temps, corrigez les poses, mais faites aussi attention aux petites choses comme la coupe des vêtements, les mèches de cheveux ou les postures peu flatteuses. La communication est importante lorsque vous travaillez avec des personnes. Dans l’école de photo, on a deux autres articles à lire à ce sujet. C’est l’un des points les plus importants, surtout au début : Recherchez des endroits où le trafic public est faible. D’une part, les gens ne tombent pas constamment sur votre photo et, d’autre part, vous pouvez vous habituer au fait que vous êtes vous-même observé. Un modèle qui prend la pose dans une ville animée et vous qui avez un appareil photo un peu plus performant : aux yeux des passants vous vaudra presque inévitablement de vous faire demander pour quel magazine vous travaillez, surtout si le modèle est très séduisant. En outre, de nombreuses personnes vous demanderont si cet appareil prend de belles photos ou vous diront qu’elles ont un modèle similaire.

La lumière

Pour la photographie de portraits du corps entier, les mêmes règles de base que celles que vous avez déjà apprises pour les portraits s’appliquent. Cependant, la distance que vous maintenez inévitablement avec le modèle pardonne davantage les conditions d’éclairage brutales que le portrait classique. Si vous voulez une belle lumière et la tranquillité, il en va de même pour la photographie : l’oiseau du matin attrape le ver. En juin ou juillet, 5 heures du matin est une heure merveilleuse pour les photos. La plupart des photos que vous voyez dans les magazines sur papier glacé sont prises tôt le matin pour de bonnes raisons : une bonne lumière et peu de perturbations. Pour commencer, vous devez éviter les sujets présentant des contrastes trop forts. Par conséquent, travaillez toujours avec le soleil derrière vous ou au moins de côté, et utilisez le pare-soleil pour éviter les taches d’ouverture disgracieuses sur l’image.

Fonds d’écran

Un ciel couvert fournit également une belle lumière pour les portraits en pied, mais avec des limites, car vous devrez inévitablement incorporer beaucoup plus de ciel dans l’image que pour les portraits. Un ciel gris, uniformément nuageux, fait rarement un bon arrière-plan, et a surtout tendance à être surexposé lorsque le modèle est correctement exposé. S’il existe des structures nuageuses claires et sombres distinctes, vous pouvez essayer de les intégrer dans l’image. Cependant, n’oubliez pas que les nuages sombres donnent presque toujours à l’image une ambiance sombre, plutôt triste, parfois menaçante. Si vous voulez intégrer le ciel dans l’image et que les structures nuageuses doivent être joliment dessinées, un filtre gradué gris est un bon outil, car il réduit la luminosité dans la zone supérieure de l’image et n’a pas d’effet de filtre dans la zone inférieure, la transition est douce. Cependant, vous devez alors utiliser des objectifs sans lentille frontale rotative, sinon vous devrez réaligner le filtre après chaque mise au point. Les arbres ou, plus généralement, la forêt, le bois, les murs de pierre et même les murs de béton constituent également des arrière-plans appropriés. Même un joli graffiti peut être intégré à une photo. Dans la nature, vous êtes un peu plus limité en termes de couleurs en ce qui concerne l’arrière-plan que dans une ville à l’architecture mixte.

E. Conseil pour les yeux ouverts

Si la lumière est trop aveuglante, il existe une petite astuce contre les yeux bridés : laissez le modèle fermer les yeux et détendre son visage. Ajustez la caméra, corrigez la pose du modèle, et laissez le modèle rouvrir les yeux sur votre ordre. Il ne vous reste plus qu’à saisir le bon moment avant que le modèle ne plisse à nouveau les yeux.

F. À propos de la technologie

La plupart des appareils photo disposent d’un mode scène pour les portraits. Pour les débutants, ils sont certainement suffisants, mais vous n’avez pas beaucoup de contrôle sur l’appareil photo. C’est pourquoi on aimerait vous montrer un petit ensemble de paramètres avec lesquels vous disposez d’un programme de portrait meilleur et plus flexible sur votre appareil photo. Dans la photographie de portrait, il est important d’utiliser la netteté comme un élément stylistique afin de ne pas distraire le regard du spectateur avec trop de détails en arrière-plan. Ceci est obtenu en utilisant une ouverture ouverte. La longueur focale qui permet d’obtenir un bon cadrage dépend de la longueur focale et de la distance entre le modèle et l’arrière-plan. À 50 mm, il doit être f2-f2.8, à 200 mm f4-f5.6 sont suffisants. Tant que vous prenez des photos en JPEG, vous pouvez également utiliser un style d’image portrait, qui rehausse un peu les tons rouges et réduit un peu la netteté des détails, afin de ne pas montrer chaque petit pore de peau en détail. Si vous travaillez avec la mise au point sélective, les yeux doivent toujours être nets : au moins l’œil le plus proche dans un semi-portrait, l’autofocus à champ unique est donc indispensable. Sinon, le nez est net et les yeux ne le sont pas. Le champ que vous utiliserez ensuite sera déterminé pendant l’enregistrement.

G. Sélectionnez l’objectif

Lors du choix d’un objectif, il est préférable d’utiliser des longueurs focales plus courtes dans la plage inférieure à 85 mm, surtout au début. Sinon, vous êtes tout simplement trop proche : dans le sens du détail de l’image. Si possible, utilisez des objectifs avec une ouverture maximale de 2,8 ou plus pour pouvoir jouer avec le flou. Les objectifs dont l’ouverture d’entrée est de 5,6 ou plus sont souvent flous dans la plage d’ouverture ouverte, et vous êtes considérablement limité dans la mise au point que vous pouvez effectuer. Pour une utilisation en extérieur, 200 mm est une bonne longueur focale qui permet d’obtenir un flou suffisant en arrière-plan, même à f/4, et de guider la vue vers le modèle grâce à l’angle de vue étroit. Si vous avez trouvé un arrière-plan homogène ou beau, vous pouvez l’intégrer à l’image et le rendre plus net. Si, au contraire, vous avez un fond inhomogène et instable, il vaut mieux le laisser s’enfoncer dans le flou. Dernier point, mais non le moindre : mettez votre modèle à l’aise. Plus la posture est détendue, plus la photo sera équilibrée et de meilleure qualité. Seuls les mannequins professionnels parviennent à faire une impression détendue, même dans une pose inconfortable. Posez votre modèle sur une jetée, un mur, un tronc d’arbre ou un escalier, laissez le modèle s’appuyer de manière détendue sur une balustrade, vous le verrez sur les photos.

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