La lumière et l’expression du mouvement en peinture : de Boccioni à Hooper

Les premières décennies du XXe siècle sont marquées par une grande variété de mouvements picturaux issus du « Manifeste futuriste » de Marinetti. Marqués par les deux guerres mondiales, les différents styles fusionnent expérimentations et avancées technologiques pour aboutir à des créations qui finiraient par donner naissance à un espace tridimensionnel ou, en d’autres termes, la lumière sortirait du tableau pour se rapprocher du spectateur. Le 20 février 1909, le « Manifeste futuriste » du poète Tommaso Marinetti est publié dans le quotidien parisien Le Figaro , qui proclame avec une grande violence la nécessité d’un nouveau langage artistique : la destruction des musées, des bibliothèques et des villes transformées en mausolées de le passé. Autrement dit, Marinetti prônait l’esthétique du nouvel âge, celle de la vitesse et de la machine. L’année suivante, en 1910, les peintres Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo et Gino Severini ont proclamé leur propre manifeste futuriste et, au cours de la même année, le Manifeste technique des futuristes a publié un programme de défense de la poétique du dynamisme dans l’ art. Il y avait un refus de l’imitation exaltée de toute forme d’originalité et le divisionnisme était le point de départ pour arriver à l’expression d’ une vision et d’un mouvement simultanés . Pour ce faire, ils adoptent les principes cubistes de décomposition de la réalité en plans superposés et l’objet se déploiera et se multipliera dans une combinaison répétée d’images qui ne le distinguerait pas de son environnement. La première étape du futurisme , autour des manifestes de 1909 à 1912 et de “La Esposizione de Arte Libera” de 1910 à Milan, fut cruciale et durera jusqu’à la mort de Boccioni en 1916. Ses contributions furent essentielles au travail d’individus tels queHenry Moore, Aleksandr Archipenko ou Naum Gabo et, en général, pour l’évolution de la sculpture contemporaine. Il a eu une grande influence sur le vorticisme , le cubofuturisme, le rayonnisme et sur certains membres de Der Blaue Reiter .

Expérimentation plastique : la lumière artificielle en mouvement

À partir de 1916, Marinetti et Giacomo Balla dirigent un groupe de jeunes qui représentent la seule alternative au nouveau classicisme, initiant une nouvelle étape moins pertinente que la précédente.

Le mouvement est fortement influencé par les nouvelles découvertes optiques, liées au cinématographe, qui révèlent la multiplication des images et des objets en mouvement sur la rétine. Dans le travail« Speeding car + light » de Giacomo Balla de 1913, le mouvement, le déplacement et la lumière sont exprimés comme les cadres d’un film. La lumière fait partie du véhicule comme les roues ou le châssis, elle se définit comme un point blanc brillant qui se déplace suivant la direction du véhicule. La lumière sans sa propre signification est matérialisée et retenue dans une image séquentielle. Un traitement similaire est donné dans l’œuvre intitulée “Lamparco” de 1910 de Boccioni, -pictoriquement, son origine est post-impressionniste, dérivée du divisionnisme et du pointillisme, évoluant vers la fragmentation cubiste-, où il concentrera son travail expérimental sur la représentation de lumière artificielleproduit par une lanterne. Il s’exprimera sous la forme d’une séquence de flèches irisées provenant de la lampe, debout dans un halo qui l’entoure et la retient. Les impressionnistes ont voulu représenter les sensations lumineuses instantanées , la variation de leurs sensations perceptives dans différents « moments lumineux » , non pas avec un sens de continuité mais d’instantanéité. Un exemple est l’étude des séries picturales comme instantanés ou cadres d’un moment visuel, sans les associer à la continuité temporelle d’un cadre cinématographique, alors que les futuristes essayaient de retenir le concept de mouvement réel dans un cadre unique et instantané.

 

Il faut dire que, malgré vouloir s’attribuer le mérite d’être les précurseurs de la rreprésentation du mouvement dans l’art , il faut se souvenir d’antécédents bien antérieurs comme les gravures égyptiennes d’ Abou Simbel , datées entre 1284 et 1264 av. des chevaux tirant sa voiture à plusieurs pieds.

Souci exagéré du mouvement

Pour Boccioni, la lumière est un thème pictural de plus de son travail, c’est un objet matériel à représenter, qui peut être défini dans le cadre de son mouvement artistique. Dans son ouvrage “Café Campari”il capture le mouvement des personnes en jouant subtilement avec le flou des figures, comme si elles étaient capturées par des cadres en mouvement. Les lumières artificielles remplissent l’atmosphère de tons jaunâtres et les ombres contribuent à renforcer sa directionnalité. Cette combinaison du mouvement des personnages avec le mouvement énergétique de la lumière, répété dans l’œuvre “Lamparco” , donne de la force à cette expression cinétique. Ce mélange de mouvements, poussé à l’extrême, se retrouve également dans le tableau “Vivre le théâtre”par Carlo Carrà lorsque nous aurons l’information. Dans cette œuvre, les figures au premier plan semblent constituées de lumière au lieu de matière, elles apparaissent comme des masses corporelles de lumière. Cette représentation dilue les figures avec l’environnement et annule les ombres des corps qui ressemblent à des photons lumineux se déplaçant dans l’espace. Le futurisme influencera de manière décisive l’émergence du dadaïsme et de l’art cinétique. Son souci exagéré du mouvement, des nouvelles formes d’énergie et des objets du quotidien donnera naissance à de nouvelles formes d’expression artistique où les objets lumineux joueront un rôle pertinent. La recherche de la réalité conduira à l’incorporation d’objets lumineux dans l’œuvre d’art.

Bauhaus : production artistique et lumineuse

Au Bauhaus, fondé à Weimar en 1919 par Walter Gropius, les principaux artistes du moment y ont participé. Son enseignement reposait sur une formation pratique organisée autour de différents ateliers (sculpture ; peinture ; menuiserie ; théâtre ; vitrail ; photographie ; céramique ; typographie ; publicité ; tapisserie ; architecture ; métal et gravure) qui ont développé leur expérimentation orientée vers une production série qui représentent le début du design industriel actuel . Au milieu des années 1920, l’école embrasse toutes les tendances du moment grâce à la présence dans les salles de classe d’artistes tels que P. Mondrian ; Théo Van Doesbourg ; JP Oud; K. Schwitters ; Tzara, Hausman ; Arp; Marinetti ; A. Gleizes et Laszló Moholy-Nagy . Outre la réalisation d’objets en céramique, en métaux tels que des vases, des services à café et des lustres, une nouvelle orientation a été introduite dans l’atelier : la production de lampes . L’atelier métallurgique a développé une production industrielle de différentes lampes telles que les lampes bien connues de Karl J. Jucker et Wilheim Wagenfeld . Laszló Moholy-Nagy a réalisé en 1930 “modulateur-lumière-espace” considéré comme la première sculpture lumineuse cinétique . C’était un objet complexe composé d’éléments en métal, en plastique et en verre, déplacé par l’action d’un moteur électrique et entouré de lumières colorées. Avec lui, Moholy-Nagy réalise des spectacles lumineux qu’il photographie ou filme. Il a également jouéilluminations pour la scénographie de pièces de théâtre comme “Madamme Buterfly” à Berlin, étudiant les effets d’ ombre et de lumière . Son intérêt pour la photographie était évident dans les photographies où il explorait les effets de la lumière, les impressions de la lumière à travers différents supports, en suivant la ligne commencée par Man Ray , des années auparavant. Après le krach boursier de 1929 , les États-Unis plongent dans une grande dépression qui conduit des artistes comme Edward Hopper à refléter la désolation du paysage urbain, l’isolement et la solitude.. Ses œuvres condensent des aspects picturaux tels que la lumière et la couleur, ce qui l’éloigne de la caricature pure et simple. La lumière de Hopper est statique, réduite à une expression instantanée, à un éclair temporaire, elle s’arrête dans le temps sans mouvement ni continuité. Comment est-il possible que Hopper ait mis en lumière cette accusation d’ étatisme émotionnel , si différente des œuvres futuristes de Carrà et Boccioni ou des expressionnistes allemands comme Vulard ? Sans parler des effets vibrants du post-impressionnisme et du rayonnisme. Hopper a transformé la lumière en une couleur dense , en une dalle de couleur lourde qui fige le mouvement et le temps … Comment joue – t – il avec la transparence ? Comment avez-vous analysé les réflexions ? j’ai utilisé une lumière diffuse, comme exemple d’éclairage plus généralisé, qui ne renforce pas l’unicité des éléments de l’espace et annule les caractéristiques qui différencient les choses et les personnes. Une lumière localisée pouvait établir des éléments de singularité au sein du tableau, établissant une valeur différenciante, ce qui n’intéressait pas Hopper, qui voulait un espace uniforme , sans discrimination ni accents singuliers, renforçant ainsi la solitude et l’homogénéité émotionnelle des personnages. En 1929, le Museum of Modern Art de New York a été créé et en 1935, le Whitney Museum a présenté une excellente exposition d’art abstrait américain. Un an plus tard, le groupe d’artistes abstraits américains a été formé. Cette nouvelle dynamique s’est complétée par l’arrivée aux États-Unis de nombreux artistes et architectes représentant les avant-gardes européennes, qui ont fui leur pays en raison du régime nazi et du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale. Après l’achèvement duquel sont apparus les mouvements Pop Art , ce qui conduira au début du Light Art en tant que discipline artistique dans laquelle la lumière quitte définitivement la toile picturale et s’exprime en tant qu’art.

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